去电影院的时候稍晚了一点，前面的旁白没听到，是从婉后走入皇宫开始的。 

　　这是一个很长的长镜头，移动摄影车加斯坦尼康跟拍，花了很大心思，一个女人拖着华丽的长袍子，缓缓走进深邃幽暗的皇宫……进入一个深的地方，而且一个长镜头跟下来，其寓意明显，其实不叫寓意了，是很直白，其一是让观众进入，即我们所常说的带入，第二是根据电影情节，人物走进影片的主体环境——宫殿深处，同时亦是人物走进心灵深处……一个不错的创意，创意，是冯小刚所擅长的，也是他所难以突破的。且看这一个镜头，被放在影片很显著的位置，其重要地位不言自明，但是，我要说的是，中国电影人拍电影只注重情节、人物而忽视与情节、人物相关的电影元素，是弊病，是通病，是痼疾，这也就是为什么我反对媒大赵宁宇教授的“表演核心论"，并写下大堆文字的原因，因为这样的提法应该，但不是现在，不合时宜。婉后走进宫殿深处的动作是婉后的走，除此之外就没有其它东西了，而且这个动作又那么长，甚至是漫长，因此动作单调了，但是创作者又想强调这样一个动作，怎么办？不是没有办法，而是办法很多，因为不单是一个人行走的动作，还有她所处的环境，环境和动作构成了一个视听总体，并能够通过环境与人物行动反映人物心理动机及状态。不错，赞一下美工和服装和道具，这么大的宫殿，偌大的宫殿，布置的很深，色调统一，建筑环境即可单独作为一件艺术品与影片整体也吻合，然后服装，婉后的那件长长的袍子首先有气势，人物穿了合身，颜色与周围环境搭配也不错……摄影，跟的稳当，但问题也在这里，当然这个问题不仅仅是摄影的问题，有导演、剪辑等的问题，一个角度跟拍这么长时间，观众看得不累吗？我累，也可能其他人不累，但是特别提到的是画面里没有展现出宫殿的深，没有表达出人物所处环境的氛围，而是把人物的动作拍得很清楚，但却没把环境拍得很明确，比如宫殿的向内深度，宫殿的高度……这两点都是突出人物处于环境中的地位、内心情境的表达的东西，可是没有，或者说是这个镜头实在太单调了，我就在想，为什么不给一个俯的镜头呢？后来，在整个婉后走的动作到最后的时候，出现了一个大俯的镜头，视觉感官放开多了，看起来也舒服多了，宫殿的幽深也出来了，但时间太短暂了，甚至让人不加察觉就切掉了……为什么不在走的中间呢？在整个行动过程的三分之一处切入一个大俯的镜头？是不是因为这个角度用的太多？那么创作者为了免俗，而且要显示这个镜头的特别而不用呢？我记得《伊丽莎白》里用到了很多大俯的镜头，同样是宫殿戏，同样是表现一个有着欲望的女人，但那个力度就有了。另一点，就是，婉后这一漫长的行走过程中，几乎没有光和色的变化，整个长长通道都是一种色泽、一种光，是不是因为我看的银幕不好或者是胶片质量不好的原故呢？不知道，应该没问题吧，我还特地弯下身子看是不是我坐的有些偏因此看起来会有偏差，但结果不是，它就是没有变化，也许是我太强求了吧，大概资金问题制约了？不得而知，总之这段太冗长，字幕出现也太长，甚至连主题歌演唱者的名字都打上去了……电影也拉开了冗长的序幕…… 

　　在看之前很好奇，一些看过了的朋友说，这其实是一部文艺片，于是我倒是想看看，怎么个“文艺"法了？结果，看到谋杀团杀太子那段我知道了，这就叫“文艺"？很简单，这样的方式我们在John Woo的电影里见到很多次了——音乐的情绪与电影情境相反，就像老吴电影里的暴力场面配合上抒情的音乐一样，《夜宴》在这场打戏里亦用到了这样的方式，当然这样的方式在这场戏里用的并不明显，因为这几乎是一场屠杀，所以也多少蒙上了一点“悲壮"的色彩。但我不明白那一群白衣服的人为什么在大难临头的时候还在那里“骚首弄姿"——请抱歉，我不是对亡者的不尊，只是从这个地方，我看出导演及创作者对“悲剧"的一种太过刻意的追求和对舞台化表演的青睐。如果我们用文学来表达——伟大的舞者在他们最接近死亡的时刻，仍旧用他们的肢体演绎出最后一曲悲歌……这是高尚，可在电影里，我相信很少有人能在这个地方动情吧，那个最后一个白衣舞者（就是那个最后头被砍了的）以一对多，电影在一次又一次地强调演员的肢体，强调一种“富有舞蹈性质的打斗"的同时，消解了观众对银幕世界人物的同情，并且化感同身受为纯粹地对一次舞蹈演出或武打演出的观看……当残酷、激烈、壮烈、悲剧等等具有能唤起观众内心心理感受的事物被电影中充斥着的慢镜和不知从何而来的飞扬舞蹈所替代的时候，再加上那抒情的音乐，无疑，电影在此刻已然成为了一部漫长而华丽的MTV——MTV，这个我得说说，这是很多评论者看后的看法，我也看出来了，我想说说它之所以成为MTV的理由，除了上文所述的，另外一点就是音乐部分与视觉部分的不谐，我不知道这问题是出在配乐还是电影视觉的创作者——导演、摄影、剪辑……总之，MTV的要求是音乐和画面相互和谐配合的同时保留音乐在观众脑海中的印象，画面跟随音乐节奏，而《夜宴》中，是比MTV还MTV，因为我的感受是音乐大于视觉，很多人说是音乐“喧宾夺主"，其实我倒不觉得是“喧宾夺主"的问题，而是音与画的组合出了问题。对比John Woo电影里相似的处理，同样是清澈、简洁而抒情的音乐，画面上呢肯定不止一个元素，也就是说不仅是人在运动，包括其摄影机的运动——这是显然而易见的，然后呢，他有光在动，而且动的很明确，然后呢可能会是一些画面内元素，比较常见的是鸽子，有了鸽子就有鸽子的羽毛，然后还有枪的火光，子弹打在墙壁上之后的爆裂，人的衣服的动，地上的尘土的动，也就是这些东西动起来很洒脱，很随性，但又很配合，并且他的电影里基本上都是升格与正常速度交叉使用——再看《夜》，首先是机位运动太工整，或者说太呆板，相比老吴电影升格镜头中多见的近景别系列组合，《夜》包括《英雄》等片都太过多的中—全景系列组合搭配，这样的感觉是人物的动作是非个人的，而是集团化的，但又由于服装颜色的单一使集团化的运动显得单调，人物的动作也因此略显得呆板生硬，哪怕是你动作设计得再优美。再来看看这一谋杀太子段落的色彩组合，绿色、白色、黑色再加上那个建筑的一点颜色，观众脑海中的主要也就是这几种颜色，而且切来切去始终是这几种颜色，更不用说光的变化了。画面内元素唯一有动感的就是水，但也是出现时间太短。这一切画面元素的组合就形成了一种偏硬的感觉，并且都是冷色调，所不一样的是音乐旋律却有一种不相搭配的暖意（注意，音乐的颜色，这可能会导致这段音乐使用的失败），因为它还不是那种简单的钢琴，里面好象有弦乐器，调子还是有些平稳上扬的，另外音乐中还有一直存在的鼓点，可画面里完全找不到与鼓点相配合的地方，比如慢镜下人的步伐与鼓点至少错了三、四个拍子，也就是说鼓点声几乎是白放在那里没什么用，反而更让音乐大过画面的感觉强烈了。此后应该还有两到三段外景的打斗戏，基本走的是同样的拍摄路子，人家五十年前的《七武士》每场打斗都不一样呢，那时候虽然没颜色，但每场动作戏的调度方案、运镜方式、声画处理方式……极少雷同……五十年后再拍，怎么连个借鉴都不会？尤其是几场打戏矛盾焦点都是太子与黑衣兵，颜色又雷同，外景不同的地方也没充分发挥，几次重复，即便《十面埋伏》里那刀也知道变着法子飞啊…… 

　　正好再说到另一场打，那场在影片后段的打，环境是冰天雪地——这个好，一下从漆黑跳到雪白，可是不知道为什么，镜头下的大环境没有被打开，咱不说远的，咱就说《七剑》，开场十分钟，黑压压的屠城，很多特写，镜头切换快——黄沉沉的村庄，有远景，镜头切换慢了许多——雪山，远景、远景，镜头切换速度在屠城和村庄之间，再加上骏马飞驰，速度上来了，大环境也拉开了，豁然开朗，《夜宴》呢？环境变了，原来怎么拍的，现在还是怎么个拍法，而且整体速度还是原来那样，你说那不叫个“闷"字，所不同的是打的方式变了一下，几个白衣服的从地底下冒了出来，你当是地道战啊？！不过说句公道话，这个创意还满够意思的，从下而上的运动挺好看，并且充分利用地形（后面宫殿内几个黑衣兵又从上而下，利用宫殿环境），摄影跟的拍的都还挺合适。但又是重复——升格、群体性的全景景别过于显著、色彩无非是黑和白等等，当然，我并不是说要大红大紫大绿大**，但起码你要求的颜色肃穆、统一，那其它方面该有些变化吧，而我们看到的，只是慢镜下重复的动作和电影语言单薄浅显的显摆。好好的一个冰天雪地啊，可惜了，太可惜了，要我，就来一航拍，把那白色给铺展开来，人占据银幕的比例缩小一些，可惜啊，是不是冯小刚也看了那篇“表演核心论"？ 

　　电影是形式的艺术（至于为什么就不多说了），很多人会反对，我们的这些“大片"不都是重形式缺内涵吗？所以才捡了芝麻丢了西瓜？那实际上在我看来是因为这些电影的所谓“形式至上"都不是电影的形式，他们注重的是动作的形式、跟内容不沾边的视觉形式或者说是他们在做“视觉行为艺术"或“人体行为艺术"或“音乐行为艺术"……那都不是属于电影的形式，《夜宴》几乎就是做透了这些不沾电影边的“形式"，哪怕是跟剧情无关或者是次要的都要极度炫耀一把“形式美"，那几个谋杀太子团成员自杀谢罪，在那种“形式"的包裹下显得异常虚伪做作，显得异常得苍白，这也是导演在把握剧本的不成熟和幼稚，因为他主次不分，他无论哪段戏是主，哪段是次，都给渲染一下，他难道就不知道次要情节一闪而过，只要给观众留下一定印象反而会更有力度，并推动主情节发展吗？这亦是此片看得疲劳的原因所在，你可以说导演在用心去做每一场戏，但他是每场戏都用对了方法吗？算了，没有什么方法，千篇一律，冯导说了，不就是追求莎士比亚戏剧的舞台感吗，然后他又不知道从哪儿听说了，说电影和音乐最象，那好，咱们再把它拍成一出有音乐感的舞台剧，也就是拍一出歌剧……您是过了一把歌剧瘾，可害了无辜的观众啊，咱们手上拿的可是电影票啊，尽管歌剧的票价高的很，从这个角度来说冯小刚也算是为人民服务了，以低廉的价格来观看昂贵的歌剧…… 

　　剧本，一剧之本，是电影成功的基础，这句话对头，可在中国不对头，中国能写出象样电影剧本的人太少，以往靠着台词混饭吃的冯小刚此回请了位号称文学修养一溜的大作家。不错，文学功底牛拽得不得了，莎士比亚的台词他都能给整成一文绉绉且兼具东西方特色的中文台本，戏剧功力呢？差了点，电影呢？再差点，到最后就剩下台词了吧，可看完之后能让我记得住的又有几句呢？新闻报道经常拿来说事的那几句搞笑词我没笑，还有不少可以“搞出笑"的地方我都没笑，一是我看电影很少笑，二是电影中的台词让我感觉到了麻木……号称改编莎士比亚，而且是贵为经典的《哈姆雷特》，现在看来基本扯淡，创作者们完全是把大师笔下的东东拉到中国式的勾心斗角、宫廷斗争、市井百态……皇帝与皇后就像是两个一夜之间变成王宫贵族的市井小民，贱男娼女，从他们嘴巴里说出的台词看似句句珠玑，实则鸡肋，能左右情节的无几，一如冯氏电影往昔那样如连珠炮似的的台词只为娱乐大众，和电影无关。《哈姆雷特》原著之精华，人性的纠葛反复、命运变化的无奈、人与人之间的为善与伪善在这部号称改编的电影里无法表达，对于这点我深有感受，因为曾在学校里的表演课排演过《哈姆雷特》的几个片段，其中就有王子与王后那场在寝宫里的戏，电影里保留了一些原戏中的词，并稍加变化成为结合了西洋戏剧、中国话剧、中国文言句和现代句式的台词，但看得直叫我觉得可笑加可惜，可笑的是如此经典台词被这么一下修改再加上那段莫名其妙两人如舞蹈一般的暗地较量，使之近乎于一种荒诞和无聊，可惜的是原戏剧中的精髓根本没有渗透入电影当中，电影中只是运用了一些原戏中的词和意义相近的话语，由中国人说出来罢了，而最深刻的，此刻王子对母亲的犹豫、母亲的争斗、王子对父亲的感受对叔父的憎恶完全无法得以表达，而是被那个词不达意的舞蹈—打斗完全消解在一片黑茫茫中。原来戏剧中王子与父亲之间的感情是一个叙事的激励层面，它很重要，重要到莎士比亚要写出一个虚拟的父亲的神灵来加以强调，可电影中这一感情完全为零，太子对待叔父的仇恨无法得以说服观众，创作者们把这层动力转加到了王后身上，希望通过王后与叔父之间的串通来让太子的复仇行动有动力，希望通过人物内心之间的较量来完成叙事压力的形成，这样做比莎翁的设计差之千里，但也可以，只是编剧完全没有电影思维，将表现人物内在动机的大部分能量都交给了那些台词，而这些台词又缺乏对人物和剧情的推动力量，而且台词的格调与行文方式太舞台化，本来电影难以容纳舞台语言方式，但在中国我们只得妥协，即便这样，《夜》里的台词也过于计较其行文方式和每个字每个词的意义，并且以十分密集的方式从人物嘴巴里冒出来，以至于我看到一半以后，每当人物嘴巴里冒出词语出来就急得抓狂，而身边的观众却仍有许多在揣摩着台词中所蕴涵的“深意"，正当他们琢磨这句话意思的时候，电影的下一个信息点可能就在此时过去了。 

　　相比于台词，电影在视听方面的呈现显得笨拙而无力，我看来，至少有近一半的台词可以删去转化为电影语言，你退一步，你电影语言不会用，那你就用戏剧语言啊，就让表演者运用自己的脸和肢体做动作也好啊，至少观众看了不觉得太累，可编导创作者们大概在片场每天都要供奉着莎士比亚老人家的塑像，而且供奉的还是个假冒的莎士比亚塑像……剧作者们的自作聪明也让他们作茧自缚，太子到做毒药的那里拿药，非要问上一句“世界上还有比这更毒的吗？"，镜头再切到那个做药的时候，还没等他张口，我身边几个人几乎异口同声地说“人的心"——1、2秒后，银幕上的角色嘴巴里冒出了同样的三个字，一字不差，我身边的两人也得意得笑了——他们在得意的同时，这部电影在观众心中也减了分，因为观众会说：瞧，冯大导演，俺都能做你的编剧了！……要我说，你用个笨办法，就让那个演员做个指心的手势也好啊，再高点，当太子问完话，把镜头切到王后或者叔父那里也成啊，或者再高点的牛人，切到一个不带人的环境，并且立即让人知道人心毒辣的地方啊，这可比你说话强多了吧。 

　　中间的沉闷和剧本创作者、导演有直接的关系，剧本创作者的问题在于没有把段落与段落进行合理的编排，以至于叙事过于平整，如流水帐；导演的责任更大，首先他主次不分，主戏次戏在他看来没区别，这就是害人了……其二是段与段之间的搭配缺乏创造力，死气沉沉，段落剪辑亦如流水帐，死板僵硬，基本上就是舞台剧的呈现方式——一幕过了是下一幕，然后接着再下一幕……还有一点视听方面的，属于冯小刚一贯的无能，不会掌握视听重点，不懂得处理视听节奏，大量的暗场戏相接，也没个变化——伤眼睛啊！有几个点可以跳出去的，比如上面说的雪地里那场，却没利用。他利用的地方是没任何戏剧冲突的地方，就是电影中有一处的CG镜头，由宫殿拉至整个城堡的外景，可你干吗在这个地方用这样一个镜头呢？你是在学《魔戒》吗？但您瞧好了，人家用的是什么时候？是在什么点上？人家是在表现德内毫的死的时候，一个大范围的拉伸，那样一个CG镜头一方面具有从一场戏过度到另一场戏的作用，另一方面是从一个环境、一个相对较小的环境拉开到另一个大环境，观众看到这里因为前后环境的反差必然会有心理反应，而在冯导那里呢？那个镜头前面的镜头几乎没什么关系，一下来个这样大跨度的，观众只会觉得：哎，这片还用CG啊！或者说：哎哟，这碉堡原来蛮大嘛……这样一个镜头为什么不用在那场冰天雪地的戏呢？正好是一个环境的转变，先不说与剧情结合怎样，单纯从视觉上也让观众舒畅啊。最后那场重头的“夜宴"之前也没有任何的镜头铺垫，直接跳到了宴会现场，就是新闻片也有个宴会举行地外景的镜头吧，可这样的镜头在本片中屈指可数。想到“角斗士"里角斗场比赛之前的模拟航拍的CG，观众看到那里是完全被调动了起来，并且也预示着一场战斗即将打响，既然你夜宴剧组有钱在一个莫名其妙的地方给一个那样的镜头，怎么不在重要的“夜宴"之前来一个呢？最后那场重头戏的安排也是问题，仍然是环境没用上，景深处那么多的群臣只在远镜头出现，全当活背景去了，在青女最后一舞的那场里，几个镜头切来切去，由于此时人物命运终于有了关联，观众才兴奋了起来，但那镜头运行的节奏仍然一如既往，只是来回切换的简单方式以获得一些“戏剧张力"，为什么这时候给其他人的反应镜头那么少呢？只是集中在皇帝皇后殷家父子上？给个其他人的镜头与这几个主要角色的反应呈反差对比，或者也能烘托出现场的气氛吧，你现在这么一拍就只给当事人镜头，那就真成了舞台戏剧了，就这么几个人，环境就是死背景，那还不如就像舞台剧那样画个布景上去呢……可能，您真是画上去的吧，那叶美术可真是大师中的大师了。 

　　写到这里也差不多了，电影看了一遍，写到这个点，也忘了差不多了，还有什么也不想多说，再说就说说演员方面吧 

　　葛优：大抵是老关系了吧，冯已然视其为票房保证了，这位戏骨的戏的确不错，但电影不讲你“戏"不“戏"的，就跟他的台词一样“这头盔戴得不合适"，估计自己也知道不合适了，算是勉为其难了。 

　　章子怡：剧本把这个王后角色写的太平了，不是说他不想复杂，他其实很想复杂，但大段的台词铺垫只会让一切流于肤浅，最后一刻的爆发因此丧失了力量，说服人的力量。而这个角色无论从影片的市场定位、角色要求基本上也就章子怡演了，说她不好的人一半错得找编剧。 

　　周迅：同样的，莎翁原剧中的奥菲丽亚并不只是装疯卖傻，她的单纯绝非如本片中的青女那样，但不错的是周迅是影片最对头的演员，她的形象及戏路让她几乎不费力气的成为最能打动也是唯一能打动我的因素。 

　　吴彦祖、黄晓明：两人与角色的气质都相接近，特别提一下黄哓明，与莱奥提斯比形象上有一定的差距，他显得幼稚了些，但这位演员算是国内男星中综合素质相对较好的了，挺喜欢在片中初次亮相的形象，表演方式也相对比较适合电影。 

　　《夜宴》总体观感是：没节奏、没力度，不消遣不娱乐，也不高雅别致，不像实验品不像半成品，当然也不是成熟的作品，不过张靓颖的歌唱得还是不错地。从此片来说所谓“中国大片"在我看来基本上是句笑话，看看“好莱坞大片"，它的节奏它的力度，它能随心所欲地把文戏拍得比武戏还精彩，也能把武戏拍得比文戏还典雅，看看它的一场动作戏要调动多少元素，有多少个镜头如何错落有秩地分布，如此对比，我们的“大片"几乎就是儿科一般的学生作业。有一点是我在影院里感受了一把高强度的立体声效果，近一个小时的时间里，坐在我身后的某位大汉一直鼾声不止，这声音，比电影院的效果好多了。 

　　中国是社会主义国家，美国是资本主义国家，中国电影是作坊，好莱坞是工业流水线，无论你是要做类型化的商业“大片"，还是掺杂自己小聪明的“文艺大片"，先把该掌握的、该学的学好再说吧。 

　　对于《疯狂的石头》，我会说，路还长，咱们一起慢慢修炼吧； 
对于《夜宴》，我要说，别走了，歇会吧……咱们还是改道吧。